Fabio Cembranelli, Maître Aquarelliste, Vous Montre Comment Peindre Des Natures Mortes Florales Lâches Et Intuitives En Utilisant La Technique Humide Sur Humide
Les aquarelles sont ma façon préférée de peindre des aquarelles. J’adore la technique mouillé sur mouillé. Les couleurs coulent et se mélangent, créant des effets inattendus et diffus. Cette technique consiste à prendre des risques, à oser et à travailler rapidement et intuitivement tout en comprenant la mouillure du papier.
Peindre Humide Sur Humide : Conseils
Il y aura des bords mous dans le papier s’il est encore humide. Au fur et à mesure que je superpose plusieurs couches, certaines formes deviendront plus définies. Les bords mous initiaux disparaissant et les bords devenant plus durs, les bords deviendront plus difficiles. Certains bords seront perdus ou resteront mous tout au long. Vous créerez des bords plus durs si vous utilisez le brossage à sec plus souvent.
Pour créer de la profondeur, le jeu entre les bords doux et durs est crucial. Si cela est bien fait, cela peut nous aider à donner l’impression que notre œuvre d’art est en trois dimensions. Il est important de positionner les bords les plus difficiles autour ou à proximité du point focal (dans cet exemple).
Vous pouvez peindre librement si vous travaillez rapidement, mais n’oubliez pas d’être conscient de l’endroit où se trouve votre point focal. Vous n’êtes pas obligé de tout préciser. Laissez un peu de place à l’imagination. Ne décrivez pas chaque forme. Laissez quelques bords doux. Le conseil le plus important est de terminer votre illustration pendant que le papier est encore humide. Cela permettra aux couleurs de se mélanger avant qu’elles ne sèchent.
Masterclass Sur Wet-in-Wet
Matériaux Fabios
- Papier : papier aquarelle Grain Fin 300 g/m²
- Pinceaux Pinceaux synthétiques ronds et synthétiques plats dans les tailles 8, 10 et 6,
- Peintures, orange transparent, jaune indien, jaune transparent, cramoisi d’alizarine permanente et garance rose. Toutes les aquarelles de Daniel Smith.
1. Assurez-vous Que Tout Est En Ordre
Parce que je peins humide sur humide, j’emporte une petite palette pliante et des aquarelles transparentes en tubes. Je n’utilise jamais de couleurs opaques. L’aquarelle consiste, à mon avis, à sauver ou à restaurer du papier blanc. Je préfère recommencer s’il a été perdu. Peu importe la marque que vous utilisez, tant qu’ils sont synthétiques. Une brosse de gréeur est nécessaire pour terminer le travail.
2. Ajouter De L’eau
Après avoir dessiné au crayon les formes principales de ma nature morte florale (je n’aime pas dessiner toutes les fleurs et toutes les feuilles, car elles sortiront toutes pendant le processus de peinture), le papier a été humidifié au hasard avec un gros poil synthétique. J’ai commencé à peindre les fleurs centrales, qui étaient le point central de ma composition. La fleur blanche était un sujet difficile. J’essaie toujours de peindre l’arrière-plan entourant le sujet plutôt que le sujet. Cela permet au papier blanc de briller. Parfois, nous ajoutons des calques et des ombres à des formes blanches qui ne sont pas assez blanches.
3. Retirez Les Pièces Défectueuses
Utiliser un
4. Mélangez Vos Légumes Verts
Ma composition commençait à avoir l’air de s’assembler. On peut voir les fleurs et quelques feuilles vertes. Pour les verts chauds, j’ai utilisé un mélange de Sap Green avec du Burnt Sienna (ou New Gamboge) ou du Sap Green plus Olive Green (ou une combinaison des deux).
C’est la seule fleur blanche que je souhaite mettre en valeur, elle fait partie de mon point focal. Il faut trouver un équilibre pour ressentir la profondeur. Il existe actuellement de nombreux bords souples et certains ne deviendront pas des bords durs.
5. Choisissez Les Détails
Pour ajouter quelques détails aux fleurs, j’ai dû remplacer mon pinceau plat par un pinceau rond pointu de 8 pouces. J’ai créé des sépales de rose en mélangeant le vert olive avec le jaune Gamboge. Parfois, il est facile d’ajouter trop de détails, ce qui peut rendre le sujet principal (dans ce cas, les fleurs centrales) plus faible. Ces détails n’étaient pas la touche finale. Ces détails seront ajoutés ultérieurement à l’aide d’un pinceau rigger.
6. Peignez Les Feuilles Subtilement
J’ai continué à ajouter des détails en utilisant le même pinceau rond. J’ai utilisé un mélange de Sap Green, Burnt Siena et New Gamboge pour créer les feuilles. Cette couche transparente a ensuite été appliquée. Ces couches transparentes peuvent avoir plus d’ombres ajoutées plus tard. N’oubliez pas qu’une feuille ne peut pas être aplatie, nous devons donc lui ajouter de la lumière. Ma composition comprend des tiges et des feuilles. Ceux-ci donneront une structure à la peinture, mais ils ne devraient pas être l’objectif principal. L’objectif principal de la peinture est les fleurs, donc tous les autres éléments ne doivent être utilisés que pour les mettre en valeur.
7. Suggérer Le Vase
Le vase en verre transparent que j’ai utilisé pour la décoration du vase n’était pas adapté, j’ai donc utilisé un mélange dilué de bleu de cobalt et de vert de vessie avec un petit pinceau rond de 10 mm. J’ai ensuite ajouté les tiges avec un pinceau plat taille 6 et un mélange de Sap Green, Cobalt Blue et Indian Yellow. J’ai suggéré que le vase soit arrosé à l’aide du plus grand pinceau 10. C’était un vase ordinaire donc je ne voulais pas attirer l’attention sur les tiges. C’était juste une suggestion. Si j’ajoutais trop de couleurs, il n’apparaîtrait plus transparent.
8. Empêchez Le Papier De Coller à La Page
Il est important de savoir si votre papier a séché à ce stade. Vous devrez remouiller le papier si vous travaillez dans un style mouillé sur mouillé. Mon papier avait commencé à sécher après avoir peint pendant près de 30 minutes. Parce que je préfère travailler avec du papier encore humide, j’ai ajouté un peu d’eau pour pouvoir continuer à travailler humide sur humide. Vous pouvez soit pulvériser de l’eau sur le papier, soit utiliser un pinceau pour appliquer de l’eau sur le papier et le remouiller.
9. Ajoutez Plus De Contraste
J’ai utilisé un pinceau rond plus gros pour ajouter des valeurs plus sombres à l’arrière-plan afin d’améliorer les fleurs principales (le point central). J’ai utilisé un pinceau rond de 4 pouces et un mélange épais de Burnt Sienna, Shadow Violet et French Ultramarine. Pour rendre le premier plan plus détaillé, j’ai ajouté des marques plus sombres aux fleurs du premier plan. C’est comme ça : si vous voulez que quelque chose ait l’air plus éloigné, réduisez le contraste, ajoutez moins de détails et utilisez des bords plus doux.
10. Supprimer La Couleur Indésirable
J’ai donc décidé de ramener les zones plus claires, j’ai donc retiré un peu de pigment du papier. Il est important d’enlever le pigment avec un pinceau synthétique. J’ai ici deux pinceaux plats : le
11. Faites Des Ombres
J’ai utilisé un pinceau rond de taille 6-8 chargé d’Ultramarine Violet et de Burnt Sienna. Ensuite, j’ai peint le bord inférieur du vase. Ensuite, j’ai étalé le mélange pour le rendre plus foncé près du vase et plus clair à mesure qu’il s’étirait. Évitez d’utiliser des gris noirs ou plats comme ombres. Cela peut rendre les choses ternes et ennuyeuses. Mélanger des pigments noirs et gris est une meilleure option que de les utiliser.
12. Touches Finales
Pour ajouter des lignes et des points à ma composition, j’ai utilisé un pinceau appelé rigger. Ces éléments sont appelés calligraphiques et aideront à définir les formes et les directions, ainsi qu’à attirer l’attention du spectateur. Ces éléments aideront également à définir certaines arêtes et à faire apparaître certaines formes plus proches. Certaines zones peuvent être encore un peu humides à ce stade. C’est un travail mouillé sur mouillé après tout. N’oubliez pas qu’une grande partie du travail calligraphique doit se concentrer sur le point central de votre peinture ou être utilisée pour l’améliorer. Ne vous contentez pas d’ajouter des choses parce qu’elles sont cool. Les peintures surchargées seront créées par trop de lignes et de marques.
